Review : Verdon secret, de François Bertrand

De François Bertrand
50 minutes, France
Produit par Camera Lucida Production
Sortie le 27 mars 2016
Avec Assa Sylla, Nicolas Robin, Renaud Amalbert
http://verdonsecret.com

François Bertrand nous dévoile dans ce film en 3D l’histoire et l’intérieur de la gorge du Verdon, le plus grand canyon d’Europe avec plus de 40 km de long, dont 10 km qui sont inaccessibles sauf en kayak, et qui constituent le Verdon secret. Après avoir pensé le projet depuis 1995, après des conditions de tournage extrêmes et une postproduction de 8 ans, des images magnifiques survolent ce paysage vierge de toute trace humaine, avant de plonger au cœur du sujet et de la gorge. Car en plus de descendre à 700 mètres, François Bertrand revient aussi 100 ans en arrière, sur l’histoire d’Edouard Alfred Martel, inventeur de la spéléologie et premier homme à avoir affronté le cours dangereux du Verdon, donnant son nom au chemin du canyon.

Ce retour en arrière à visée documentaire est identifié par des reconstitutions en noir et blanc, qui s’imbriquent dans une fiction plus moderne de deux jeunes, Idalgo et Clara, qui découvrent eux-mêmes le Verdon, respectivement en kayak et à pied. C’est l’histoire d’une rencontre mais aussi d’une communion avec la nature, où la technologie n’a plus sa place (bien que le film soit en grande partie filmé par des drones). Cette nature est sublimée par des images qui dévoilent chaque aspect de la falaise sous tous ses angles, de façon immersive grâce à l’utilisation de la 3D et de points de vue subjectifs du canoë en Go pro. Mais si cet aspect documentaire est totalement convaincant, l’aspect fiction l’est beaucoup moins et manque d’aboutissement, en grande partie à cause des acteurs – si on peut parler d’acteurs – qui alourdissent le film par des répliques superflues et futiles, sans aucune conviction de surcroît. L’idée du docu-fiction n’est pas fondamentalement mauvaise et apporte une grande pédagogie au film, qui correspond bien à un écociné ou un musée du Verdon, mais de là à parler de cinéma, on aurait préféré une simple voix OFF plutôt que de prétendre raconter une histoire aussi creuse que la gorge.

On souligne cependant, encore une fois, une photographie remarquable qui caresse les contrastes de la roche, des végétaux et des ombres sous les feuilles brunes de l’automne. Un beau message écologique s’y dessine en opposant la virginité et la pureté du lieu, indomptable et imprévisible, face à la sédentarisation humaine et sa domestication du paysage, son désir de possession épargnant ces 10 km du Verdon secret. La falaise monumentale et vertigineuse y écrase la figure humaine qui n’y est plus que peu de chose, disparaissant entre les crevasses. L’histoire suit à proprement parler le fil de l’eau, dont le son, apaisant ou effrayant, accompagne le film. Mais filmer le Verdon c’est aussi l’apprivoiser, et le réalisateur conserve ainsi un peu du mystère du Verdon en n’exposant pas tout mais plutôt en invitant à le découvrir par soi-même (du moins la partie accessible).

Un beau film donc, qui oscille trop entre documentaire et fiction mais proposé en salles avec une exposition de photos et une présentation du film.

Real, Kiyoshi Kurasawa

 Japon,  2014

Réalisation, Scénario : Kiyoshi KUROSAWA

Production : Takashi HIRANO

D’après l’œuvre de : Rokurô INUI

Compositeur : Kei HANEOKA
Image : Akiko ASHIZAWA

Montage : Takashi SATO

Chef décorateur : Takashi SHIMIZU

Casting : Takeru SATO, Haruka AYASE, Jô ODAGIRI, Miki NAKATANI, Shôta SOMETANI

Distribution : Version originale, Condor, Twins Japan, TBS

Durée : 2h17min

Sortie : 26 mars 2014

A

près un passage au Festival du Film Asiatique de Deauville et au Paris International Fantastic Film Festival, le nouveau film de Kiyoshi Kurosawa mérite qu’on s’y attarde. Une errance en pyjama entre le monde du rêve et du souvenir vers une chute aussi inattendue qu’imagée qui n’entrave pas le charme délicat de cette science-fiction.

Le réalisateur japonais parvient réellement à donner une certaine grâce à cette romance qui s’avère tourner en une véritable quête de soi. Une histoire d’amour en effet, puisqu’elle s’ouvre avec une promesse d’éternité : « je voudrais qu’on reste ensemble pour toujours », laquelle ouverture sera refermée et bouclée 2h17 plus tard. Pour tenir cette promesse, Koichi s’immisce dans l’inconscient de sa femme Atsumi alors dans le coma, pour tenter de la ramener à lui. Mais cette passion totalement équilibrée ne prend le pas ni sur le genre de science-fiction, ni sur l’enjeu principal sous-jacent qui lui est intimement lié : le réel.

Sous une musique à la monumentalité digne du 2046 de Wong Kar Wai, sans être envahissante pour autant ; Koichi se retrouve entre l’univers imaginé du manga qu’il dessine, celui fantasmé avec sa femme dans des sortes de rêves, ses flash-back et sa propre vie, chaque projection mentale s’interpénétrant. Kiyoshi Kurosawa affirme avoir remarqué que les mangas perdaient aujourd'hui les codes traditionnels qui étaient les leurs, pour aller vers des dessins beaucoup plus réalistes, en oubliant les visages stéréotypés qui les caractérisaient. La confusion entre cet univers fictif, provenant de l’imagination du dessinateur, avec ses souvenirs refoulés et sa propre vie, s’explique donc.

Mais c’est alors que le spectateur s’est familiarisé avec cet univers et que la résolution semble inéluctable que le film en prend le contre-pied. Toutes ces projections mentales se réunissent enfin pour en laisser voir l’origine, annoncée subtilement au début mais qui nous échappe cependant, pour entrer dans un monde psychanalytique. La question est donc bien celle du réel, qui par son absence en devient tout l’enjeu. Où est le réel par rapport à l’inconscient ? La désillusion vécue, mêlée à la jubilation du spectateur décontenancé, est à l’image du personnage principal regardant la ville qui se déconstruit devant ses yeux.   

Et l’ingéniosité de K. Kurosawa est bien de poser tout au long du parcours des motifs qui accrochent le spectateur et font la transition avec la deuxième partie. Cette subtilité réside également dans le jeu des acteurs, dont les répliques restent comme en suspens, se mouvant avec grâce, presque comme les « fantômes philosophiques » évoqués dans le film, qu’elle finit par devenir. Rien n’est dans la surenchère, si ce n’est le motif du plésiosaure décliné en pendentif, dessin, statuette dans la bibliothèque, maquette au musée et… images de synthèses. Mais il est presque indispensable comme fil directeur et déclencheur de la quête de Koichi, d’abord pour elle, puis pour lui.

Une preuve que science-fiction ne rime pas forcément avec superproduction. Le côté futuriste est d’ailleurs très discret au début et  arrive principalement avec les technologies qui permettent le contact entre les deux inconscients, puis s’installe progressivement dans le film. Cette douceur sur le fond est contrebalancée par un rythme dynamique, dans le montage de plans dont la longueur s’égalise avec les mouvements de caméra ou des personnages, coupés en cut ou par des fondus en tâches d’encre qui renforcent l’idée de passage vers le manga. La variété des lieux et décors rajoute au dynamisme (île, salle de gym, appartement, laboratoire, bureau) et à l’idée d’errance, tout en s’inscrivant dans un cadre, gravitant toujours autour de lieux symboliques : l’appartement et le laboratoire, avec une symétrie, une rigueur qui nous permet de garder nos repères, sans pour autant paraître redondant. Car cette symétrie autorise une progression, des espaces fermés, en sous-sols ou remplis de brume (de l’inconscience), associés à une composition totalement géométrique ; à une véritable jungle dans  un camaïeu de verts ; ces deux espaces étant découpés par les phases laboratoire-appartement. Cette composition rigoureuse permet le passage dans des considérations plus abstraites.

Le réalisateur, qui a touché à plusieurs supports (série B, court-métrage, téléfilm), sait ici exploiter tous les outils du cinéma pour exprimer tous les enjeux du long-métrage. Ses jeux avec la lumière, essence même du cinéma, sont particulièrement remarquables. Cette dernière, comme une sorte de présence divine ou comme dans un tableau de Hopper, à la fois remplit et fragmente les espaces. Kurosawa réalise par moments de véritables tableaux, par des plans qui se résument aux jeux de la lumière sur l’eau ou sur des rideaux.

      En somme, un film sans prétention qui parvient à surprendre le spectateur et le transporter totalement dans son univers fictif et fantastique, grâce à une mise en scène habile, tout en laissant une multiplicité de lectures possibles.